文·段宏刚
整个19世纪，法国绘画圈非常重视圈子，一个画家能否选好适合自己发展的圈子，直接关系着个人的艺术命运。同时，一个新圈子的画家，喜欢对一个或数个旧圈子画家的优秀艺术风格进行传承和发展，在不知不觉中完成了艺术上的创新。
19世纪前期，一群年轻画家厌倦了都市生活，向往亲近自然、回归自然的生活，于是，他们相约来到巴黎以南30公里处枫丹白露森林的小山村——巴比松，沐浴在大自然里清新的空气和芬芳的泥土中，用画笔虔诚地描绘这里的风土人情和自然美景，最终，形成了著名的“巴比松画派”，主要成员有卢梭，柯罗，米勒等人。
【资料图】
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跟以往画家画画不同的是，巴比松派画家对西方绘画传统的历史题材和宗教题材并不感冒，他们喜欢到户外写生，面对大自然加强自己的现场感受，然后将画稿带回画室，依靠主观印象来完成，喜欢给作品里融入纯净的自然风格，以及极致的光线气氛。巴比松画家这种忠于表现自然环境的创作手法，直接影响到后来的“印象派”画家，因此，巴比松画派被看作是印象派的前身，也被看作是绘画上的“自然主义”。
印象派真正发展起来已经到了19世纪中后期，在艺术理念上遵循四个要求：延续巴比松画派重视写生和自然风格的理念，传承文艺复兴以来“再现性”的绘画传统，发扬巴洛克风格善于表现生命激情的做法，延伸现实主义的视觉实验。
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通俗来讲，印象派倡导画家用主观的颜色来描绘客观的事物，对阳光照射在万物上，所产生的惊鸿一瞥的光色效果十分迷恋，追求用主观思维来揣摩光与色的变化，喜欢在画面中呈现光怪陆离的光影效果和色彩世界，热衷于给画面中制造绚丽、梦幻、迷离、朦胧的光色感受。
把画家本人亲眼所见的实际感受色彩形式传达给观众，就是印象派的终极艺术目的。
说起来，印象派跟中国画大写意在创作理念上有不少相似的地方，比如，都把“写心”看作第一追求，对主观感受很在意，追求神似，对造型和细节并不看重。实际上，印象派在发展过程中吸收了许多东方绘画的创作技法，尤其对日本浮世绘的线条造型、平涂色彩、散点透视、平面构成等技巧，大胆借鉴和吸收，最终丰富了印象派的表现手法。
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印象派的起源跟莫奈（1840年——1926年）有关，他是一位嗜画如命的人，随身携带着画夹和画笔，随时随地准备着画画。1862年的某天早晨，他步行着去法国第二大港口城市勒·阿弗尔港散步，来到港口，看到阳光照射在港口的水面上，色泽瑰丽，如梦如幻。
莫奈被这个场景强烈震撼，于是，他即刻取下画画工具，要把这一瞬间的美丽景象留存下来。随着朝阳的不断升高，如梦如幻的光色景象会越来越暗淡，时间不允许他画出细节，只能依靠粗枝大叶的笔法把自己瞬间的感觉描绘出来。
作品创作完成后，他给作品起名《日出·印象》，并于1863年送到“沙龙”去展览。学院派画家看到作品后拒绝他参展，他们讥笑这幅作品很失败，要造型没造型，要构图没构图，连色彩都那样粗糙和散乱，完全是下巴里人的画法。
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面对学院派的冷嘲热讽，莫奈坚信自己的艺术理念：根据太阳光谱呈现出来的赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种颜色，去刻画主观感受对自然万物的瞬间印象，试图捕捉瞬息万变的大自然，把色彩美和光影美如实地展现出来。
学院派是文艺复兴期间从意大利形成的产物，要求画家严格遵循官方美术机构制定的艺术标准来创作，在构图上要求平衡，造型上要求准确，题材上要求高贵，色彩上要求和谐，理念上要求理性，在创作内容上还不曾摆脱文学的影响。每一个时期，都有一个画派会受到官方美术的支持，那个受支持的画派就是学院派。
从18世纪以来，随着“洛可可”艺术风格在巴黎崛起，法国成功取代意大利成为欧洲的艺术中心，受法国官方支持的学院派主导了画坛的审美取向。
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18世纪代表学院派风格的是“洛可可”，而到了19世纪，“新古典主义”无疑成为学院派的主流。学院派画家大多毕业于皇家美术学院，精通人体解剖，具有深厚的素描基础，造型准确，画风富丽堂皇，严谨细腻，在法国贵族阶层有非常好的口碑。
官方每年会为学院派画家举办展览，在办展时，会邀请许多附庸风雅的贵族来参观，顺便把画作销售一空。画家赚到了钱，贵族得到了藏品，完全是皆大欢喜的事情。官方为学院派画家举办画展的做法，在后来形成了一个专用名词，叫作“沙龙”，再后来，沙龙成为高规格艺术活动的代名词，在贵族阶层和学院派画家之间大受欢迎，许多艺术家以参加沙龙而引以为豪。
不是学院派圈子的画家，要想参加学院派画展，几乎没有可能。但是，处处碰壁的莫奈就想跟学院派掰掰手腕，在他看来，固步自封的学院派如同没落的贵族，没有一点生机活力，学院派的画法必将成为过去，他的这种画法在将来一定会得到美术评论家的认可，在将来，学院派不是被他这种画法取代，就是被其他画法取代。
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然而，依靠单打独斗，莫奈是无法撼动学院派的。
于是，从1874年开始，莫奈把那些跟他一样长期被学院派拒绝的其他失意者，如，马奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱、巴齐耶等31人组织起来，他们自筹经费，在巴黎接二连三地举办小规模展览。他们不仅要向学院派挑战，还要向美术评论家证明，他们也能画画。
随着展览的推广，人们才逐渐认识到印象派的价值。观者才明白，要想欣赏印象派油画的魅力，不能像欣赏学院派油画那样眼睛凑到跟前观看细节，而是必须后退几米，去感受各种色块相互交织和碰撞后迸发出来的韵律，这些瑰丽的色彩会让画面在瞬间活跃起来。
现实情况是，如果近距离欣赏印象派油画，会看到不同色彩和不同圆点相互交织，给观者感觉很凌乱。但是，拉开距离从远处欣赏时，这些色点就会像七色光那样汇聚成一个整体，立马会感受到光的感觉，有一种神奇效果弥漫在作品里。
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实际上，欣赏印象派油画，跟欣赏中国山水画，尤其焦墨山水画有着异曲同工之妙，近看一团乱麻，远看层次分明、井然有序，有很强的视觉震撼力。
然而，印象派油画发展到后期，过于专注自然外光的再现，作品的主题无意中被弱化了，变成了一种本末倒置的“形式主义”。
同属于印象派圈子的塞尚（1839年——1906年）、梵高（1853年——1890年）、高更（1848年——1903年）三位画家，最先察觉到印象派走到了穷途末路，于是，他们从不同层面对印象派展开了大刀阔斧的变法。他们在编法上取得的创作模式和艺术成果，被冠以“后印象派”。
总体来讲，后印象派在创作时先入为主，完全抛弃了印象派遵循自然主义的创作态度，强调画家要在作品里表现主观情感与内心世界，不再像印象派那样迷恋色彩的外在形式，即追求自然外光和缤纷色彩在画面上产生的真实感觉，喜欢给色彩中灌注强烈的主观情愫，充分探索绘画色彩语言的表现张力，强化色彩的抒情作用。
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后印象派画家的探索形式，直接改变了西方绘画中长期把“摹仿论”和再现客观当作不可动摇的艺术根基，将西方绘画引向一个纯粹的表现世界，为西方绘画走向现代艺术提供了许多宝贵经验，因此，后印象派被看作是西方绘画走向现代美术潮流的先锋，在美术史具有承前启后的作用，艺术地位极高。
细分到每个人，塞尚、梵高、高更三人的探索方向有所不同。
塞尚对米开朗基罗的雕塑作品颇有研究，喜欢以几何形体的块面来塑造形象的体积感、厚重感和崇高感，注重展现物象内在结构的稳定性，所以，我们能看到，塞尚的任何作品，不论是肖像、风景还是静物，都具有非常突出的形式感和稳定感，以及极简主义的几何化效果，后来的立体主义、抽象主义和构成主义，从塞尚的作品里大受启发，尤其立体派大师毕加索，从塞尚的作品里受益匪浅。
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凡高的作品具有很强的装饰效果，色彩浓烈，笔触奔放，喜欢使用具有流动感的线条来展现个人强烈的艺术个性，这完全得益于他从浮世绘，乃至中国大写意画里受到启发，他的油画完全是东西方绘画合璧的产物，他一生都在探索线条和色彩自身的表现张力和装饰趣味。梵高的艺术探索，直接启发了马蒂斯、埃贡席勒、蒙克等大师的创作思维，对野兽主义和表现主义等流派的产生，具有举足轻重的作用。
高更主张在画画时凭借原始记忆和生命体验来作画，画面形式更加平面化，专注于在画中表现神秘的、抽象的、形而上的艺术趣味，这些趣味跟现实生活若即若离，给观者无限遐想。后来的达利和超现实主义等流派，正是深化更高的艺术理念后，创造了另一个高峰。
用一句话来概括的话，印象派是通过展现瞬息万变的光色效果，来表现眼睛看到的客观世界。后印象派则是给色彩赋予主观感受，通过色彩形式来挖掘人类共有的情感规律和精神诉求。
